PINTA BAphoto 2026 reunió en Buenos Aires a 57 galerías y espacios y recibió a 16.000 visitantes. Entre la memoria y la experimentación, la feria abrió un diálogo con España de la mano de María Santoyo, directora de PHotoESPAÑA, y mostró la diversidad de la fotografía contemporánea.
Texto y fotografía por ALS
Del 22 al 25 de octubre, el Pabellón 8 de La Rural, en Buenos Aires, acogió la 22.ª edición de PINTA BAphoto. La feria volvió a reunir a galeristas, fotógrafos, coleccionistas y profesionales del sector en torno a un medio que sigue transformándose, tanto por la incorporación de nuevas tecnologías como por la revisión de sus procedimientos históricos y su capacidad para documentar la realidad.
Bajo la dirección artística de Irene Gelfman, la programación combinó propuestas comerciales, exposiciones curatoriales, proyectos editoriales y encuentros profesionales. La fotografía apareció así en sus distintas dimensiones: como documento, expresión artística, investigación sobre los materiales y herramienta para interpretar los cambios sociales.
María Santoyo: un puente entre la fotografía argentina y española
La participación de María Santoyo, directora de PHotoESPAÑA, tuvo especial interés para el público español. Su intervención en el FORO de la feria permitió abordar algunos de los debates que afectan actualmente al medio fotográfico y establecer conexiones entre las escenas artísticas de ambos países.
Santoyo participó en la conversación Romper las costuras, junto con Santiago Porter e Irene Gelfman. El encuentro puso sobre la mesa la fotografía expandida, la circulación internacional del arte latinoamericano y el impacto de la inteligencia artificial en los procesos de creación.
La fotografía ha dejado de estar vinculada exclusivamente a la imagen obtenida mediante una cámara y presentada en papel. Instalaciones, intervenciones sobre los soportes, procedimientos digitales y cruces con otras disciplinas han ampliado las posibilidades de los artistas. Estas prácticas plantean también nuevas preguntas sobre la autoría, la relación entre imagen y realidad y los criterios con los que se interpreta una obra.
La inteligencia artificial añade otra dimensión a este debate. Su capacidad para generar y modificar imágenes obliga a reconsiderar qué entendemos por fotografía y qué papel desempeñan el autor, el procedimiento técnico y el contexto en la construcción de una obra.
La presencia de Santoyo resultó especialmente pertinente para una feria que busca favorecer el intercambio entre profesionales y artistas de distintos países. La relación entre PINTA BAphoto y PHotoESPAÑA permite pensar en nuevas vías de colaboración, difusión y circulación internacional de la fotografía latinoamericana y española.
El FORO reunió a más de 59 participantes en diez conversaciones y siete presentaciones de libros. Entre los invitados figuraron también Eve Schillo, curadora asociada del Los Angeles County Museum of Art (LACMA); Thyago Nogueira, vinculado al Instituto Moreira Salles de Brasil, y Carolina Hausmann, directora de Fundación Casa Santa Ana. Los encuentros abordaron cuestiones relacionadas con los archivos, las colecciones, la memoria familiar, el cuerpo y la performance.
Sandra Eleta: el homenaje de PINTA BAphoto 2026
En esta edición, PINTA BAphoto rindió homenaje a Sandra Eleta (Panamá, 1942), figura esencial de la fotografía latinoamericana, con la muestra Proceso Brujo, comisariada por Irene Gelfman. Desde la década de 1970, cuando se estableció en Portobelo, su trabajo se ha centrado en documentar la vida cotidiana, las tradiciones y la identidad de las comunidades afrodescendientes e indígenas del Caribe panameño. A través de una mirada íntima y comprometida, caracterizada por la cercanía y el vínculo con las personas retratadas, Eleta ha construido una obra profundamente ligada al territorio, sus habitantes y sus formas de vida. El homenaje reconoce su aportación a la fotografía y pone en valor una práctica artística basada en el sentido de pertenencia y el respeto por las identidades culturales.
Las galerías y la diversidad de la fotografía contemporánea
La sección principal reunió propuestas de artistas modernos y contemporáneos de diferentes procedencias. Entre los espacios argentinos destacó ArtexArte, dedicado a la fotografía y a las prácticas artísticas vinculadas con la imagen.
También estuvo presente Luz Castillo, destacada referente de la cultura argentina, cuya trayectoria abarca las artes plásticas, la filosofía, la escritura y el teatro. Fundadora de ArtexArte y de la Fundación Alfonso y Luz Castillo, ha contribuido a difundir y proyectar la fotografía contemporánea argentina e internacional.
La Legislatura porteña la distinguió como Personalidad Destacada en el ámbito de la Cultura por su trayectoria y su contribución a la difusión del arte contemporáneo.
También participó la FotoGalería Sara Facio del Teatro San Martín, dirigida por Claudio Larrea, con una selección de obras procedentes de las exposiciones realizadas durante la temporada.
Su propuesta reunió a cuatro fotógrafos con aproximaciones muy diferentes. Matilde Marín aborda las huellas y los desplazamientos humanos desde una perspectiva crítica; Santiago Carrera explora la presencia y la ausencia en su serie Substancia; Andrés Wertheim fotografía la relación entre los visitantes y las obras expuestas en los museos, y Gabriel Giovanetti observa la presencia de la fe musulmana en distintos recorridos por Asia desde una perspectiva sudamericana.
La selección permite acercarse a la fotografía como una forma de investigar el mundo, pero también como un medio para cuestionar la manera en que lo observamos. Los desplazamientos, las creencias y la relación con los espacios culturales adquieren significados diferentes según la mirada del autor y la manera en que construye cada imagen.
También participó Julia Baitalá Arte Contemporáneo, con obras de distintos artistas, entre ellos el fotógrafo Luis Casadevall. Su trabajo, junto al de Grace Ratto, Tadeo Pestaña Caro, Clara de Estrada, Silvina Enrietti y Belén Yuste, formó parte de una selección que puso en contacto distintas sensibilidades y lenguajes.
La presencia de Céline Frers, presentada por la galería Struka, aportó una mirada personal a la fotografía contemporánea a través de su exploración de los paisajes, las culturas y las tradiciones del interior de Argentina. Nacida en Buenos Aires en 1982, su obra combina el registro documental con una mirada sensible sobre la naturaleza y las comunidades rurales, sus costumbres y modos de vida. Su trabajo propone una observación del territorio que trasciende el paisaje para acercarse a la identidad cultural de sus habitantes. Es autora de varios libros, entre ellos Tierra Adentro, Argentina e Hilando Culturas, y ha expuesto en Argentina, Europa, Estados Unidos y América Latina.
La diversidad de estos espacios muestra que la fotografía no depende únicamente de la tecnología empleada. La elección del tema, el encuadre, la relación con las personas retratadas y la forma de presentar las imágenes siguen siendo decisiones fundamentales para comprender el resultado artístico.
La galería brasileña Vermelho presentó la obra de Claudia Andujar.
Sol Echevarría y la transformación de la cultura visual
El proyecto Imágenes Latentes, con curaduría de Sol Echevarría, abordó los cambios en la representación del cuerpo y en la cultura visual durante las primeras dos décadas del siglo XXI.
La selección incluyó obras de Nicola Costantino, Ananké Asseff, La Chola Poblete, Flavia Da Rin, Natacha Voliakovsky y Mauro Guzmán, entre otros artistas. Sus trabajos permiten examinar cómo las imágenes participan en la construcción de identidades y en los debates sobre el género, las convenciones sociales y los límites de la representación.
La expansión de internet y las redes sociales ha cambiado la manera de producir, compartir y consumir fotografías. Las imágenes circulan con rapidez, se reproducen en contextos diferentes y adquieren significados que no siempre coinciden con las intenciones de sus autores.
El proyecto plantea una reflexión sobre ese cambio y sobre la manera en que las nuevas condiciones tecnológicas afectan a la percepción del cuerpo y a las fronteras entre lo público y lo privado. La investigación se prolongó en una publicación de FAN ediciones, que ofreció otra vía para acercarse a las obras y a sus relaciones.
Miguel Rothschild: la materia y los límites de la imagen
La participación española estuvo representada por Ponce+Robles, de Madrid, en colaboración con Jorge López Galería, de Valencia. Ambas galerías compartieron espacio en la Sección Principal y presentaron una selección de obras de Miguel Rothschild, artista argentino cuya trayectoria se desarrolla en torno a la fotografía y sus posibilidades de transformación.
Su propuesta explora las tensiones entre lo sagrado y lo profano, la fe, la fragilidad y la incertidumbre. Para ello, trabaja con fotografías que interviene mediante perforaciones y otros procedimientos materiales, alterando la superficie de la imagen y su relación con el espectador.
En estas obras, la fotografía no permanece como una superficie intacta destinada a reproducir una escena. La intervención física modifica su apariencia y convierte el soporte en parte esencial de la experiencia artística. La imagen adquiere una dimensión material que invita a reconsiderar la relación entre lo visible y aquello que permanece oculto.
La selección se vinculó con la línea de investigación de Rothschild presente en Río de la Plata, instalación mostrada en la Bienal de Lyon. Su trabajo demuestra cómo la fotografía puede servir de punto de partida para explorar otros lenguajes sin perder su relación con la imagen y la percepción.
La colaboración entre Ponce+Robles y Jorge López Galería constituyó, además, una presencia española destacada en esta edición. El proyecto compartido puso de manifiesto el interés de establecer alianzas entre espacios de diferentes ciudades para presentar artistas en circuitos internacionales.
Los archivos fotográficos y la memoria
La historia de la fotografía argentina tuvo un lugar relevante en Alexander – Alexander, proyecto curado por Francisco Medail que rindió homenaje a Abel Alexander y a su trabajo de investigación y conservación de fotografías antiguas. La propuesta remite también a Adolfo Alexander, pionero de los estudios fotográficos en Buenos Aires y antepasado del investigador.
La recuperación de estos materiales permite reconstruir aspectos de la vida social y cultural de otras épocas. Pero conservar un archivo exige algo más que mantener las imágenes: es necesario identificar su procedencia, documentar su autoría y recuperar la información que permita comprenderlas en su contexto.
Otro de los proyectos destacados fue 2001MDQ2026, dedicado a Alberto Goldenstein y comisariado por Irene Gelfman. La selección relacionó imágenes históricas con trabajos recientes vinculados con Mar del Plata, ofreciendo una lectura de los cambios experimentados por el paisaje urbano y por la propia mirada del fotógrafo.
Estas propuestas muestran distintas posibilidades de la fotografía documental: conservar testimonios, reconstruir la memoria y representar comunidades sin reducirlas a una imagen estereotipada.
La investigación sobre los procedimientos técnicos completó este recorrido. El colodión húmedo empleado por Nicola Costantino y los procesos de platino-paladio de Pablo Cabado convivieron con propuestas digitales de Stanislao Florido y Gonzalo Maggi. La coexistencia de técnicas históricas y actuales demuestra que la innovación no exige necesariamente abandonar los procedimientos anteriores. Cada uno ofrece posibilidades expresivas diferentes.
Proyecto CALLE y The Walking Conurban: otras formas de representación
La dimensión social de la fotografía tuvo también presencia en Proyecto CALLE, iniciativa que promueve la inclusión y la participación mediante la expresión artística. Su propuesta plantea la fotografía como una herramienta para compartir experiencias y dar visibilidad a realidades que no siempre encuentran espacio en los relatos dominantes.
En otra escala, The Walking Conurban construye un archivo visual colaborativo sobre la identidad y la vida cotidiana del conurbano bonaerense. El colectivo, creado en 2018 por Diego Flores y Guillermo Galeano, observa escenas cotidianas que suelen quedar fuera de las representaciones más difundidas de Buenos Aires.
Sus imágenes, que encontraron inicialmente en las redes sociales un medio de circulación, combinan observación y humor para mostrar los contrastes y particularidades de ese territorio. El proyecto cuestiona la idea de que la identidad visual de Buenos Aires se limita a su centro urbano y propone mirar también los espacios periféricos.
Presentado por Oficina de Proyectos en la sección NEXT, el colectivo recibió la beca destinada a facilitar la participación de una galería en la feria. Su trabajo fue reconocido por la construcción de un archivo compartido que recoge aspectos de la cultura popular y de la vida cotidiana.
El fotolibro como forma de creación
La sección ATLAS, curada por Martín Bollati, reunió diez proyectos editoriales y dedicó especial atención al fotolibro y a las publicaciones de artista.
En este formato, las fotografías se relacionan entre sí mediante una secuencia que influye en su interpretación. El orden, el papel, el diseño y la encuadernación forman parte de la experiencia de lectura y pueden modificar el significado de cada imagen.
Entre los sellos participantes figuraron MACK Books, Loose Joints y Nobody Books, junto con iniciativas argentinas y latinoamericanas como KWY, Buen Lugar, Ediciones Réplica y SED Editorial.
El fotolibro ofrece una forma de aproximación diferente a la exposición y a la circulación digital. Permite volver sobre las imágenes, detenerse en sus detalles y descubrir relaciones que dependen del recorrido propuesto por el autor. La edición se convierte así en una parte sustancial del proceso creativo.
Premios, adquisiciones y mercado
La feria cerró con un programa de premios y adquisiciones que contribuyó a dar visibilidad a artistas emergentes y a incorporar fotografía contemporánea a colecciones institucionales.
El Museo de Arte Moderno de Buenos Aires adquirió cuatro obras: dos fotografías de la serie Como Deus Manda (2025), de Dagurke, presentadas por María Wonda, y dos imágenes de la serie Il Limbo, de Miguel Mitlag, presentadas por Gachi Prieto Arte Contemporáneo. La Colección Oxenford incorporó, por su parte, una obra de Cecilia Szalkowicz presentada por La Mesa.
También se concedieron reconocimientos en la sección NEXT y se otorgó una residencia en el marco de la colaboración entre Fundación Pinta y URRA. Estas iniciativas muestran la importancia de las ferias para favorecer la circulación de obras, el desarrollo de proyectos artísticos y el crecimiento de las colecciones.
Una fotografía en permanente transformación
PINTA BAphoto 2026 reunió distintas formas de entender la fotografía: desde el registro documental y la conservación de archivos hasta la experimentación material y las nuevas herramientas digitales. Las obras de Sandra Eleta, Alberto Goldenstein y Abel Alexander mostraron diferentes maneras de trabajar con la memoria, mientras Imágenes Latentes abordó los cambios en la representación del cuerpo y la cultura visual.
La intervención de María Santoyo aportó una perspectiva especialmente relevante para el diálogo con España. Su participación permitió situar la fotografía expandida, la inteligencia artificial y la circulación internacional del arte en el centro de una conversación que afecta tanto a los creadores como a las instituciones y los profesionales del sector.
La participación conjunta de Ponce+Robles y Jorge López Galería, con obras de Miguel Rothschild, reforzó el intercambio entre las escenas argentina y española. A ello se sumó la diversidad de galerías y proyectos que mostraron cómo el medio fotográfico continúa abriendo caminos, tanto en sus procedimientos como en los asuntos que aborda.
Más allá de las tecnologías utilizadas, la fotografía mantiene su capacidad para documentar una época, conservar la memoria y cuestionar las formas en que miramos el mundo. Esa diversidad fue uno de los rasgos más significativos de esta edición de la feria de Buenos Aires.
Próxima edición de PINTA BAphoto: del 21 al 24 de octubre de 2027, en el Pabellón 8 de La Rural, Buenos Aires.
Más información: web oficial de PINTA BAphoto.
También en Buenos Aires: Casa FOA 2026, diseño y patrimonio industrial.
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